Na de anthologische tentoonstellingen gewijd aan Marina Abramovic, The Cleaner, Bill Viola. Rinascimento elettronico, en van Ai Weiwei, vervolgt Palazzo Strozzi zijn verkenning van de hedendaagse kunst met een boeiende inkijk in de de 20e en 21e-eeuwse Amerikaanse kunst.

Van 28 mei tot 29 augustus presenteert Palazzo Strozzi in samenwerking met het Walker Art Center uit Minneapolis American Art 1961-2001, een tentoonstelling die op een oorspronkelijke manier de geschiedenis van de moderne kunst in de Verenigde Staten tussen twee beslissende momenten in de Amerikaanse geschiedenis, de Vietnamoorlog en de terroristische aanslag op de Twin Towers, onderzoekt.

Het is geen gemakkelijke opgave om bijna een halve eeuw Amerikaanse kunst in één enkele tentoonstelling te organiseren. Toch is dat precies de ambitie van het  Palazzo Strozzi in Firenze in samenwerking met het Walker Art Center in Minneapolis probeert te doen. Om dit doel te bereiken, is het echter noodzakelijk om concreet te zijn en een chronologische en thematische lijn te volgen die de opbouw en ontwikkeling van de tentoonstelling inzichtelijk maakt – in tijd, maatschappij, cultuur, territorium, economie en technologie. Onder leiding van Vincenzo de Bellis is een indrukwekkend parcours uitgetekend in de monumentale zalen van Palazzo Strozzi, al werden er onvermijdelijk belangrijke namen en kunstwerken vergeten.

Aan de hand van een belangrijke selectie werken uit de collecties van het Walker Art Center, met werken van kunstenaars als Jasper Johns, Donald Judd, Barbara Kruger, Robert Mapplethorpe, Bruce Nauman, Cindy Sherman, Robert Rauschenberg, Kara Walker en Andy Warhol, vertelt deze tentoonstelling veertig jaar Amerikaanse geschiedenis door middel van een veelheid aan artistieke uitingen – waaronder schilderkunst, fotografie, video, beeldhouwkunst en installaties – en behandelt ze thema's die vandaag de dag van fundamenteel belang zijn, zoals de consumptiemaatschappij, feminisme, genderidentiteit, raciale kwesties en de strijd voor burgerrechten, en de doodstraf.

Zaal 1 | Changes

Deze zaal vormt een brug tussen het verleden en de toekomst, tussen de Oude en de Nieuwe Wereld. Mark Rothko en Louise Nevelson, beiden geboren in Europa en als kind naar de Verenigde Staten verhuisd, hebben een joodse visionaire visie gemeen die zich vertaalt in een religieus en mystiek gevoel voor kunst. In de jaren veertig maakten beiden deel uit van de New Yorkse kring rond Peggy Guggenheim, net als Marcel Duchamp, een Fransman die Amerikaans staatsburger werd en een symbool was voor de overgang tussen de twee werelden. De revolutionaire geest van de vader van de conceptuele kunst is overal in de tentoonstelling voelbaar, aangezien hij een referentiepunt was voor de nieuwe Amerikaanse generaties. Ook Joseph Cornell, een kunstenaar met een poëtische blik op het oude continent, maakte deel uit van deze kringen. Bruce Conner kijkt daarentegen naar de toekomst, zowel vanuit formeel als conceptueel oogpunt, en loopt vooruit op thema's als interdisciplinariteit en de breuk met de modernistische traditie, die zich later in de Amerikaanse kunstproductie hebben ontwikkeld, en zet een proces van emancipatie van de Europese cultuur voort, op zoek naar een eigen identiteit.[2]

Mark Rothko

Louise Nevelson

Van voren gezien heeft Sky Cathedral, als een rechthoekig vlak, de picturale kwaliteit van een schilderij – misschien wel een van de abstract-expressionistische doeken uit het voorgaande decennium, die dezelfde ambitieuze schaal hebben – maar het onthult al snel een rijk gelaagde diepte.
Het werk roept een majestueuze kathedraal op door de wrakstukken van herinneringen te combineren in een imposante driedimensionale collage doordrenkt met een sacrale aura.

De complexiteit ervan schuilt zowel in de constructiemethode – het is gemaakt van ondiepe, open dozen die als een puzzel in elkaar passen – als in de inhoud van die dozen: de gerecyclede houtfragmenten waarmee Nevelson veel van haar werken vulde. Denk hierbij aan sierlijsten, deuvels, spijlen, stoelonderdelen, architectonische ornamenten en fragmenten van figuurzagen. Nevelson maakte van dit materiaal een hoge muur die gevarieerd is door een spel van vlakheid en diepte, rechte lijnen en rondingen, overlappingen en lege ruimtes.

In dit en vele andere werken schilderde ze elk object en elke doos in hetzelfde doffe, gloeiende zwart, waardoor ze visueel verenigd werden, maar tegelijkertijd hun oorspronkelijke identiteit verhulden. "Ik denk niet dat ik voor zwart heb gekozen," zei Nevelson over deze beslissing. “Ik denk dat het mij heeft uitgekozen omdat ik iets te zeggen had. Kijk, het zegt meer voor mij dan wat dan ook... Voor mij is het de ultieme kleur. Het betekent totaliteit. Het betekent: het omvat alles.”[3]

Louise Nevelson, Sky Cathedral Presence,1951-1964, Minneapolis, Walker Art Center. Dono Judy e Kenneth Dayton, 1969© Estate of Louise Nevelson [American Art 1961-2001, Palazzo Strozzi, Firenze]

Sky Cathedral bestaat uit dozen die tegen een muur zijn gestapeld, elk compartiment gevuld met restanten van houten voorwerpen, of houtresten zoals sierlijsten, deuvels, spijlen en meubelonderdelen. Nevelson bedekte het geheel vervolgens met zwarte verf, waardoor de compositie eenheid kreeg en en de individuele objecten verhuld werden. Ze legde ooit haar fascinatie voor de kleur zwart uit:

«When I fell in love with black, it contained all color. It wasn’t a negation of color. It was an acceptance. Because black encompasses all colors. Black is the most aristocratic color of all. … You can be quiet and it contains the whole thing.»

«Toen ik verliefd werd op zwart, bevatte het alle kleuren. Het was geen ontkenning van kleur. Het was een acceptatie. Want zwart omvat alle kleuren. Zwart is de meest aristocratische kleur van allemaal. ... Je kunt stil zijn en het omvat alles.»

Hoewel Nevelson in de eerste plaats beeldhouwer was, deelde ze met abstract expressionistische schilders de interesse in het creëren van grote werken die spelen met lijn, vlakheid en schaal. Net als zijn tijdgenoten Mark Rothko en Barnett Newman was Nevelson geïnteresseerd in het sublieme en spirituele transcendentie. Sky Cathedral, net als veel van Nevelsons wandwerken, roept het gevoel op van een heiligdom of een plaats van devotie. De kunstenares schreef dat ze in haar kunst op zoek was naar “de tussenruimtes, de dageraad en de schemering, de objectieve wereld, de hemelsferen, de plekken tussen land en zee.”[3]

Bruce Conner

Bruce Conner (1933–2008) was een van de meest radicale en invloedrijke Amerikaanse kunstenaars van de naoorlogse periode. Hij werkte interdisciplinair—met assemblages, tekeningen, performances en vooral experimentele film—en stond bekend om zijn kritische houding tegenover massamedia, geweld en de mythen van de Amerikaanse cultuur. Conner gebruikte vaak bestaand materiaal en afval, zowel letterlijk als figuurlijk, om de schaduwkanten van moderniteit en vooruitgang bloot te leggen.
Zijn film Cosmic Ray (1961) geldt als een sleutelmoment in de experimentele cinema. De film is opgebouwd uit ‘found footage’: fragmenten uit educatieve films, pin-upbeelden, nieuwsopnamen en abstracte animaties, gemonteerd op het ritme van Ray Charles’ nummer What’d I Say. Deze snelle, pulserende montage creëert een overweldigende ervaring waarin seksualiteit, geweld, technologie en popcultuur botsen. De titel verwijst zowel naar kosmische straling als naar Ray Charles, en suggereert een energie die door het lichaam en door de film zelf raast.

Bruce Conner, COSMIC RAY, 1961, pellicole a colori da 16 mm, racchiuse in due fogli di plexiglass,
Minneapolis, Walker Art Center [On display in American Art 1961-2001, Palazzo Strozzi, Firenze] [5]

Cosmic Ray kan worden gelezen als een commentaar op de Koude Oorlog en het tijdperk van nucleaire angst, waarin het menselijk lichaam tegelijk object van verlangen, controle en vernietiging is. Conner confronteert de kijker met de manier waarop media beelden fragmenteren en sensatie produceren, en hoe deze beelden ons bewustzijn vormgeven. Door herhaling, abrupte overgangen en ritmische intensiteit ondermijnt hij traditionele narratieve structuren en dwingt hij een kritische, lichamelijke manier van kijken af.
Met Cosmic Ray liet Conner zien dat film niet alleen een drager van verhalen is, maar ook een krachtig instrument om culturele en politieke spanningen voelbaar te maken. Het werk blijft invloedrijk omdat het, zelfs decennia later, scherp laat zien hoe beeldcultuur ons overspoelt en vormt.

Bruce Conner, COSMIC RAY, 1961